EL ARTE DE LA FOTOGRAFIA

Normalmente cuando busco las entradas para el blog me gustan que estas sean de carácter práctico o ilustrativo, no necesariamente aportaran consejos evidentes, pero busco que siempre se puedan sacar conclusiones útiles de sus lecturas. La Entrada de hoy será tal vez menos ilustrativa pero más declarativa. Y es declarativa porque creo que es necesario que se entienda la fuerza que tiene la fotografía como Arte en el extranjero.

En Venezuela, desde donde se escriben estas letras, la fotografía no es aun considerada aun como un arte y el quehacer fotográfico está lejos de ser una actividad de prestigio artístico. Ahora bien, es responsabilidad de quienes ejercemos estas artes el dar a conocer lo que hacemos y el explicar su importancia para que quienes son conocedores del arte, coleccionistas, así como el común de la gente, se pongan en contacto con lo sucede con la fotografía a nivel nacional e internacional. Que no se quede otra vez atrás, de nuevo, nuestra América Latina.

La fotografía es la única posibilidad de la imagen estática, la única posibilidad de tener imágenes que realmente nos pertenezcan. El video bien sea en televisión o en cine, con su increíble alcance, su maravillosa imagen y su sonido, es siempre pasajero, nos brinda la oportunidad de ver imágenes en movimiento y nos quita rápidamente las imágenes. A pesar de tener una fuerza sensorial poderosa, no tiene la permanencia, el silencio presencial de la fotografía.

La fotografía es un testimonio, un testimonio visual, así como una piedra traída de nuestro último viaje, la fotografía es una piedra traída del viaje de la humanidad, ella tiene una permanencia física que nos permite absorber la imagen, pensarla, descifrarla.

La fotografía puede ser muchas cosas, puede ser arte, puede ser reportaje, puede ser las dos, pero es siempre la fotografía una especie de testigo mudo que se pone frente a nosotros y nos muestra la cara del pasado.

Bien sea un Ansel Adams mostrándonos los paisajes de su amado Yosemite Park en blanco y negro, o un Edward S Curtis mostrándonos los últimos y únicos registros fotográficos de todas las tribus de los indios norteamericanos, o un Manuel Alvarez Bravo dejándonos ver el retrato de Frida Kahlo así como trozos del México de su época , o Margaret Bourke White poniendo frente a nuestros ojos las imágenes de los años 30 así como las consecuencias de la segunda guerra mundial, o Bill Brandt dejándonos ver un Londres ya perdido en el pasado y observar la mirada de Francis Bacon, o un Salgado que nos muestra las imágenes contemporáneas de las carencias que afligen a gran parte del mundo.

Todos ellos y muchos otros que han dedicado sus vidas a la fotografía, tienen algo que decir, algo que mostrar, una parte de nosotros que revelarnos, una parte de nosotros que recordarnos. Igual de importante es la fotografía en nuestro medio familiar, quien no tiene una fotografía de tiempos pasados a la que le guarda cierto respeto, cierta nostalgia, porque la fotografía abre puertas en nuestros recuerdos que reviven viejas añoranzas, que resucitan pasadas vivencias.

La fotografía es sin duda un arte en pleno desarrollo, con una importancia cada vez más predominante y que sin duda alguna permanecerá con nosotros por muchos años por venir.

Lino Clemente/ Bohemio Rebelde
Modelart fotografía

MODELART SESION FOTOGRAFICA

7 consejos para Vender tu arte por Internet

Normalmente cuando busco temas para traerles al blog busco crear las entradas, con el objetivo de permanecer evitar convertirme en un reciclador de información.

Ahora bien, de vez en cuando es sano darle una patada al ego y mandarlo a pasear al perro mientras tomo el artículo de otra persona y lo transcribo para que sea accesible al público de habla española que no maneja el idioma inglés.

Transcribo aquí, sin autorización (como buen bohemio), un artículo de “emptyeasel.com” llamado, 7 Consejos para vender tu arte por Internet, como ayudar a los compradores a encontrar tu arte.

El registrarse en una página de internet más grande y conocida para vender tu arte es usualmente bastante fácil y en ocasiones, incluso gratis. Pero después de unos meses sin obtener ninguna venta muchos de ustedes empiezan a hacerse una importante pregunta:

¿Como puedo hacer que los compradores encuentren mi arte en la Web?Evidentemente, a diferencia del proceso de inscripción en una página web, todo el asunto de vender arte no es, definitivamente, fácil. Así que en vez de esperar y desear que los coleccionistas de arte te encuentren, aquí podrán encontrar 7 maneras a través de la cual usted podrá comenzar a dirigir a tus compradores potenciales a tus obras de arte:


1. Escribe mejores descripciones de tus trabajos artísticos.
Las mejores páginas web para vender tu arte te permitirán e incluso motivaran a escribir descripciones precisas para cada obra de arte que subes a la red, así como una declaración del artista y su biografía.

Esos párrafos no solo deben ser fáciles de leer y libres de errores de gramática, puntuación y ortografía, también deben ser optimizados para motores de búsqueda tales como Google y Yahoo.

“Optimizar para la búsqueda” significa usar las mismas palabras claves en tus descripciones y títulos a las que usan los compradores de arte cuando buscan obras de arte en línea.

Suena fácil, ¿no? Bueno, es más o menos así.

Si estas interesado, yo he escrito varios artículos a profundidad acerca de optimización de motores de búsqueda en la pagina emptyeasel SEO sección para artistas. Pero por ahora, aquí hay un ejemplo corto acerca de cómo optimizar tus obras de arte para los motores de búsquedas:

(te darás cuenta de que he puesto las palabras claves relacionadas al arte en negrillas. Ninguna de las otras palabras realmente ayudan cuando se trata de motores de búsquedas).

“ Fragmentos sin títulos es la séptima pintura en mi serie de obras de arte de geometría abstracta. Use colores atrevidos y poderosas pinceladas, como lo hago comúnmente en todas mis pinturas con el objetivo de crear una impresión visual duradera. Compradores de Arte y amantes del arte verán referencias simbólicas a prominentes pintores abstractos del siglo 20 como Piet Mondrian y Georges Braque ya que hago homenaje a sus visiones artísticas a través de mi propio arte. Esta obra esta aun a la venta , así que si deseas comprar la pintura haz click en el botón de comprar pintura aquí abajo”.

Con un poco de esfuerzo usted puede crear descripciones llenas hasta el ahogamiento de palabras que los compradores de arte podrían usar para sus búsquedas. En este caso, ellas no son solo acerca de pinturas abstractas sino también podrían ser sobre la compra de arte, artistas similares y cosas por el estilo.

2. Se mas sociable.
Dependiendo de la Web de Arte en la que te has inscrito, el uso de palabras claves puede servirte de algo o no. Una de las cosas que ayudara seguramente a dirigir el tráfico a tu website, será establecer contactos sociales. (llamado en ingles, Networking). Aquí están algunas de las mejores maneras de hacer contactos sociales y vender tu arte:
- Página de Internet: Flickr
Que puedo decir, Hay muchísimas personas navegando por Flickr todos los días y tiene una gran función de búsqueda en su sistema. Inscríbete en una cuenta gratuita, monta algunos de tus mejores trabajos artísticos (apropiadamente titulados, por supuesto) y pon enlaces a la página web donde tu arte está a la venta.
- Página de Internet: MySpace
No es solo para niños ahora. A través de esta página tendrás la habilidad de enviar boletines informativos para promover tus trabajos artísticos, personalizar tu página, crear o unirte a grupos de arte y añadir muchos, muchos amigos quienes posiblemente se convertirán en Fans de tu arte ( e incluso, en compradores). Si, MySpace es más o menos…..asqueroso…a veces, pero aun así está creciendo sólidamente y sería tonto no usarlo.
- Página de Internet: Facebook
Ya que uno puede unirse a Facebook en base a la localidad en la que uno se encuentra, yo lo veo como convirtiéndose definitivamente en un gran sitio de establecer contactos sociales (networking) para artistas locales. Como en MySpace tu puedes crear grupos y añadir contactos, pero también puedes crear eventos (exposiciones de Arte, ¿Tal Vez?) y enviar invitaciones con la función de RSVP en su sistema. Además, si quieres hacer propaganda en un grupo especifico de personas, Facebook te permite hacer eso.
- Página de Internet: YouTube
Esto es tal vez un poco avanzado tecnológicamente para algunos artistas, pero al igual que MySpace es demasiado grande para ser ignorado. Si lo necesitas, encuentra un amigo que monte videos regularmente y pídele que te ayude. Haz una demostración artística rápida o un video del progreso de una obra y móntalo en tu propio canal. Luego encuentra una forma de establecer un enlace directo de esa página a tu trabajo artístico.

Dani de DaniDraws.com hace un buen uso de YouTube. Dale una mirada a su canal y luego haz la prueba tu mismo.

- Forums
Cualquier Forum es bueno para hacer relaciones sociales, no solo los fórums de arte. Y mientras que estas ahí, siempre pon un link a tus obras de arte en la línea de firma de tus mensajes. Tú podrías considerar la idea de unirte a Forums que tengan los mismos intereses que tu. ¿Tu pintas flores?, Únete a un fórum de botánica. ¿Caballos?, únete a un fórum ecuestre. Ahora bien, si planeas enviar correos basura o practicar el spamming, prepárate para ser retirado a la fuerza del fórum. Solo únete a fórums que tu vas a disfrutar bien sea que vendas tu arte o no.

Lo que debe entenderse de las páginas web de redes sociales es que tienes que estar dispuesto a invertir tu tiempo hablando, comentando e incluyéndote. Si puedes hacer eso, comenzaras a ver resultados. Y si te diviertes mientras tanto, pues aun mejor.

3. Comienza un Blog de Arte
Hay tantas opciones de Blog hoy en día que es casi, demasiado fácil. Yo recomendaría Wordpress.com si no quieres ensuciarte las manos con todo el asunto del Hosting y otras cosas, además solo te tomara unos pocos segundos comenzarlo. Hay una variedad de programas a tu disposición, pero Wordpress.com lo hace bastante fácil.

Andrew Gibson es un buen ejemplo de un artista usando un blog para dirigir el tráfico virtual a su galería en internet.

4. Crea una carta de email para amantes del arte.
Déjale saber a la gente que pueden recibir una notificación de email cada vez que terminas una nueva obra y trabaja en desarrollar relaciones de largo plazo con ellos a través del contacto periódico. Si tu estas ya montando tus obras en un blog es bastante fácil enviar los emails automáticamente .

Todo lo que toma es poner el link de suscripción en un lugar importante y asegurarte que la gente se sienta cómoda contigo. A través del tiempo tú puedes lograr un grupo importante de compradores repetidos.

5. Hazle publicidad a tu Pagina Web ( en papel).
Cuando estés imprimiendo tus tarjetas, tarjetas postales, volantes o cualquier otra cosa, incluye la dirección de tu página web donde la gente puede encontrar y comprar tu arte.

No seas tímido/a a la hora de promover tu pagina web fuera de la red. De hecho es probablemente la manera más segura para informar sobre tu arte a las personas que tu sabes que pueden estar interesadas en comprarlo.

6. Únete a otros Artistas.
Encuéntrate con otros artistas y unan fuerzas. Tú puedes crear un Blog del grupo o solo comprometerte a crear un link en común unos a otros y así todos se benefician.

7. Permanece en la lucha por al menos unos seis meses.Todo el proceso no es necesariamente fácil, pero funciona con el pasar del tiempo. No te desilusiones en una semana o en un mes cuando todo parece permanecer igual. Después de seis meses, mira nuevamente atrás. Si tú te decides a hacer lo que he recomendado en este articulo, después de seis meses estarás definitivamente viendo ciertos progresos.

Publicado por Dan, del blog emptyeasel.com, el 30 de Abril del 2007.
Traducido por el Bohemio Rebelde. 15/04/09

Le Dejeuner sur l’Herbe

Un almuerzo en la hierba

La pintura fue presentada por primera vez en 1863, en El salón, una exhibición costeada por el estado Francés que normalmente ponía a todo Paris a hablar de ella. Era la exhibición artística del año, el evento más reconocido, el equivalente a los premios de la academia, los “Oscar” de la pintura. Aproximadamente medio millón de personas lo visitaban en las seis semanas de su duración.

Miles de trabajos eran llevados al jurado que elegía los cuadros aptos para la presentación. Los desnudos eran bastante comunes, pero no cualquier tipo de desnudos. Eran desnudos que tenían que seguir las reglas clásicas aceptadas para la época, desnudos que relataban una escena mitológica, y cuanto más apartados de la realidad cotidiana, mejor.

Manet, presento 3 trabajos para el Salón de 1863, los tres fueron rechazados. Pero en el Salón del año 1863 hubo tantos trabajos rechazados, que los artistas hicieron oír sus quejas y el emperador Napoleón permitió la apertura de un salón adicional, donde se presentarían los cuadros rechazados. Enseguida, el Salón de los Rechazados, como fue llamado, se convirtió inmediatamente en una sensación social. La gente se agrupaba frente a los cuadros y se mofaban descaradamente de todas las piezas que estaban siendo presentadas.

El cuadro de Manet, con sus impresionantes dimensiones, capturo la atención de los asistentes y su nombre estaba en boca de todos. ¿Pero quién era Manet?, ¿de dónde venia?. Este muchacho, de una clase social pudiente, hijo de un juez, con una vida aparentemente convencional estaba de pronto, frente al mundo del arte parisino, rompiendo los paradigmas aceptados hasta el momento y causando un revuelo increíble con este cuadro críptico, indescifrable.

En parte, este cuadro había sido inspirado por Apollinarie, precisamente por un poema donde instaba a los artistas a ser artistas de la vida moderna, a pintar sobre su tiempo. A ser Pintores de la vida moderna.

Aquel cuadro fue demasiado real para los parisinos de aquel tiempo. Victorine Meurent, la mujer desnuda en el medio de la pintura, era una modelo y artista que trabajaba con Manet, que vivía en París y que además tenía la valentía de ver inmutablemente a los ojos de cualquiera que se detuviese a ver la pintura.

Otra fuente de inspiración fueron dos trabajos clásicos que tocaban cercanamente el mismo tema, uno de ellos fue “el juzgamiento de Paris” por Marco Antonio Rimondi, un grabado del siglo 16, donde se observa una ninfa de agua con dos dioses del rio y en ellos se observa la misma posición de los personajes a la utilizada por Manet en su “almuerzo en la hierba”. El otro trabajo clásico que inspiro a Manet fue una pieza clásica italiana llamada el concierto pastoral de Tiziano, de donde Manet toma la idea de dos mujeres desnudas en el campo compartiendo un momento agradable con dos hombres vestidos. La diferencia es que en ese cuadro de Tiziano estas mujeres que están desnudas son ninfas, y no muestran ninguna relación con la realidad.

Por primera vez en la historia del arte, el artista mostraba a una mujer desnuda y su realidad como modelo. Hasta ese momento, todas las otras mujeres desnudas que habían sido presentadas en las pinturas eran presentadas como ninfas, diosas, o caracteres mitológicos. Nunca antes una mujer desnuda había sido presentada simplemente como, una mujer desnuda.

Rayos X de la pintura demuestran que la figura de Victorine, la mujer desnuda en el medio del cuadro, fue trabajada arduamente por Manet. Es posible incluso, que la modelo original fuese la esposa de Manet y que luego la figura haya sido cambiada por la de Victorine, ya que esta ultima tenía una figura más estilizada. Los rayos X demuestran también que el conjunto de ropa de la modelo no estaba en el boceto original, lo cual sugiere que fue pintado posteriormente. Tal vez, la idea original de Manet, era más cercana a la tradición clásica. En algún momento tomo una decisión final y al cambiar su cuadro, cambio también el curso de la historia.

La manera en que Manet decide iluminar su pintura, claramente desde el frente, donde está parado el espectador, resalta sin ambigüedades el desnudo que se presenta, dándole un carácter casi medico, descarado, moralista. No es un desnudo a la sombra ni escondido, no. Es un desnudo que prácticamente debe haber dicho a los oídos de los asistentes al salón, si estoy desnuda ¿y qué?, eso soy, una modelo tan respetable como tú.

Manet rompe con este cuadro muchos paradigmas, incluso el tamaño del cuadro es mucho mayor al comúnmente aceptado para la época para ese tipo de pinturas. En aquellos tiempos, era regla general en el arte francés que mientras más grande era el cuadro más importante tenía que ser el sujeto representado. Los grandes cuadros estaban reservados para pinturas heroicas, no para mostrar una escena de la vida cotidiana, mucho menos un picnic.

La pintura también rompe con el esquema de categorización, ya que en ella se presentaban diferentes estilos en una misma obra de arte, se presenta paisajismo, naturaleza muerta y pintura figurativa. Por otro lado, era típico de los tiempos que las obras no debían dejar rastro alguno de la mano del artista, la ilusión debía ser perfecta. Manet en cambio, uso cantidades generosas de pintura provocando así que los colores saltaran del cuadro, no retoco en demasía y dejo el cuadro con pinceladas crudas que parecen ser más propias de un sketch que de una pintura terminada.

Manet rompió con su pintura todos los esquemas respetados hasta la época. Gracias a esta pintura se convirtió en la punta de lanza del avant garde y en una especie de padre del impresionismo que se apoyo en sus logros para llevar a la pintura a nuevas fronteras creativas.

Artistas de la Ruptura V

Con esta entrada doy final al conjunto de entradas que he dado en llamar Artistas de la Ruptura.

Como aclare en un principio, serian cinco entradas que buscarían analizar parte de la vida de algunos artistas elegidos completamente al azar. Con la característica en común de haber sido luchadores por su arte, en contra de sus propias familias, en contra del establishment artístico, e incluso, en ocasiones, en contra de sí mismos.

No he querido profundizar sobre ellos intencionalmente ya que considero que eso te lo dejo a ti, descubre tu mismo/a al artista, yo solo te lo he mostrado brevemente. Ve tu a sus obras, búscalo, trata de ver un pedazo de su alma y de lo que el probablemente quiso decir con su trabajo. Apóyate en las biografías, observa las vidas de tus maestros y encuentra aprendizajes para ti. Como me decía la artista colombiana María Fernanda Cardozo, es importante que todos tengamos nuestros héroes, personas que nos sirvan de inspiración para alcanzar y lograr lo que ellos ya han logrado.

En toda esta batalla, porque es sin duda una batalla, de poner tu arte en la calle, en los libros, en las paredes, en las pantallas de los cines, de las computadoras, en los museos, en las galerías. En toda esta batalla, este blog busca ser solo una cantimplora de agua que te calme la sed y te refresque, que te llene de fuerzas como ese cafecito esencial de las mañanas. Aquí yo no busco resolver el mundo, decirte todas las recetas, ni tampoco llorarte penas psicológicas que me atormenten, así como tampoco decírmelas a mí mismo. Aquí yo busco, sencillamente, darte una palmada en la espalda, un guiño y animarte a seguir creando. Animarte a seguir soñando mientras actúas. Animarte a recordar que una meta es un sueño con una fecha de entrega.

Nuestro artista de la ruptura de hoy, conoció a Picasso, a James Joyce, a Ezra Pound y G.stein. Fue un hombre de Guerra y un hombre de letras. Gano con su arte el premio Pulitzer en 1953 y luego el premio Nobel en 1954. Sus obras, a pesar de su proximidad temporal, ya son consideradas clásicos de la literatura. Estoy hablando del ineludible, Ernest Hemingway.

Nace en la Ciudad de Chicago el 21 de Julio de 1899. Su madre, una mujer profundamente religiosa y profesora de música. Su padre, un doctor amante de las actividades al aire libre. Desde pequeño Hemingway adopta ambas influencias, el amor de su madre por la música, y el amor de su padre por la cacería, la pesca, y el irse de acampada.

Durante sus años de adolescencia escolar, se destaca en las actividades atléticas, así como en las actividades académicas. Publica sus primero artículos en el periódico de la escuela donde escribe bajo el pseudónimo de Ring Lardner Junior, en honor a su héroe literario Ring Lardner. Lo cual es una lección para todos nosotros, sobre todo para aquellos que piensan que hay que ser experto en un arte para comenzar en él. El experto se hace cuando practica el novato.

Cuando Hemingway termina sus estudios elementales rompe con los deseos familiares y comienza a trazar su propio camino. Su padre recomendaba comenzar los estudios universitarios y su madre le recomendaba seguir con sus estudios musicales y dedicarse al violonchelo. Pero Ernest, toma otro camino y se va a trabajar con el Kansas City Star, donde trabaja como reportero por solo unos seis meses. Lo cual no desmerita la experiencia en absoluto ya que toma del Kansas City Star su estilo de escritura. “Usa frases cortas. Usa primeros párrafos cortos. Usa Ingles vigoroso. Se positivo, no negativo”.

Hemingway tuvo una vida extremadamente interesante y cualquier mención adicional seria reducir en demasía la grandeza de este personaje. Es la figura artística perfecta para terminar esta serie de entradas ya que fue un hombre libre, un norteamericano que traspaso las fronteras de su país y vivió experiencias alrededor del mundo, muchas de las cuales terminaron incorporadas a sus libros y relatos. Los dejos con algunas de sus frases:

- Toda mi vida yo he observado las palabras como si las estuviese viendo por primera vez.

All my life I've looked at words as though I were seeing them for the first time.
Letter (9 April 1945); published in Ernest Hemingway : Selected Letters 1917-1961 (1981) edited by Carlos Baker

- Yo comencé calladamente y le gane al Sr.Turgenev. Después entrené duro y le gané al Sr.Maupassant. He quedado empatado dos veces con el Sr. Stendhal y creo que tuve una ligera ventaja en la última pelea. Pero nadie me metería en un ring con el Sr.Tolstoy, al menos que este loco o que continúe mejorando.

I started out very quiet and I beat Mr. Turgenev. Then I trained hard and I beat Mr. de Maupassant. I’ve fought two draws with Mr. Stendhal, and I think I had an edge in the last one. But nobody’s going to get me in any ring with Mr. Tolstoy unless I’m crazy or I keep getting better.

Source: quoted in Lillian Ross's profile of Hemingway, which first appeared in the The New Yorker (13 May 1950). The profile was later published as a short book titled Portrait of Hemingway (1961).

- El gran artista va más allá de lo que ha sido conocido o hecho en el pasado, y crea algo propio. (Libro “Muerto en la tarde”.1932.Capitulo 10).

Artistas de la Ruptura IV

Edouard Manet es un personaje que marca un hito en la historia del arte. Nace en una familia adinerada e influyente. Su madre era la hija de un diplomático y estaba emparentada con la familia real suiza. Su padre, Auguste Manet, era un juez francés que esperaba que su hijo persiguiese la carrera de las leyes. En su círculo familiar, era su tío Charles Fourier, quien impulsaba a Manet a seguir su vocación artística y lo llevaba a visitar el Museo de Louvre. Gracias al consejo de su tío es que Manet siente las fuerzas suficientes para formar parte de un curso especializado de dibujo, el cual le provee de una relación personal que sería muy importante en su vida, en el conoció a Antonin Proust, quien fue luego Ministro de Artes y además, amigo de por vida de Manet.

Siguiendo las indicaciones de su padre, Manet se une a un buque de entrenamiento en 1848 en el cual viaja hasta Rio de Janeiro. Eso no basto para sacarle el arte de la cabeza. El futuro artista fracasa en dos oportunidades los exámenes para unirse a la marina. Es entonces, cuando finalmente, su padre se da por vencido y deja que su hijo desarrolle la carrera artística. Es aquí donde se da la ruptura de Manet, donde finalmente rompe con la opresión familiar y deja que el arte llene su vida y que su vida aporte al arte.

Manet estudia con el pintor académico Thomas Couture durante 6 años y al mismo tiempo, estudia con los grandes maestros del pasado artístico. Utiliza todo su tiempo libre para ir al Louvre y dedicarse a copiar a los maestros y dejar que estos le susurren al oído los grandes secretos de su arte. Recordemos que en el Louvre esta La Joconda, mejor conocida como la Mona Lisa, así como muchísimas otras obras de igual importancia hechas por los maestros del arte de todos los tiempos.

Entre 1853 y 1856 Manet visita Italia, Alemania, y los países bajos. Tiempo durante el cual se ve influenciado por el estilo de Diego Velázquez, Francisco de Goya así como el pintor holandés Frans Hals.

En el año 1856 abre su propio estudio y dedica el resto de su vida a consagrarse a la pintura. Es mucho lo que puede decirse de Edouard Manet y este es un blog que busca ser de inspiración a los artistas y no un blog de historia del arte, por lo tanto no voy a extenderme sobre hechos históricos que van más allá de la intención buscada.

Manet es un digno representante del arte de la ruptura ya que no solo tiene que atravesar las murallas invisibles pero bastante reales de la resistencia de su padre sino que además, sus obras se estrellan con el status quo de su época, su obra “Le Dejeuner sur l’herbe” causa un revuelo intenso en la exhibición del Salón de Paris de 1863. El revuelo que causo esta obra será un tema a tratar en entradas posteriores pero vale la pena que todos aquellos interesados en el arte estudien la vida de Manet y cómo el rompió paradigmas con sus obras y con su vida.

Los dejo con una frase del artista,
“Tu debes siempre ser el amo de la situación y hacer lo que te plazca. No tareas escolares, Oh No! No Tareas!”. Edouard Manet.

You must always remain master of the situation and do what you please. No school tasks, ah, no! no tasks! Edouard Manet.

Artistas de la Ruptura III

La entrada de hoy es sobre un personaje que es, en contra de su voluntad, famoso en la literatura. Un escritor que no es necesariamente un artista convencional de la ruptura. Es un artista que vivió su ruptura en secreto, que siguió escribiendo sin necesitar del público, de la aclamación popular y que de hecho, no estaba interesado en que tú y yo, así como el resto del mundo, conociésemos su mundo interior.

Te sorprenderá saber la historia personal de este escritor, Franz Kafka. Nace de una familia de clase media judía en Praga, la capital de Bohemia. El alemán fue su lengua materna, aunque también dominaba el checo y tenía ciertos conocimientos de francés. Comienza sus estudios universitarios en la Universidad Charles Fernindan de Praga donde el comienza estudiando Química y después de dos semanas, se cambia a estudiar derecho, carrera que satisfacía los deseos de su padre y que por requerir más años de estudio, le permitió instruirse en alemán y en historia del arte, además de unirse a un grupo que realizaba eventos literarios. El 18 de Junio de 1906 Kafka obtiene el título de doctor en leyes.

Después de pasar un año de servicio legal obligatorio no pagado en las cortes civiles y criminales, Kafka se une a una compañía de seguros donde trabajara por casi un año. Luego pasa a trabajar con el instituto de seguros de accidentes de los trabajadores del reino de bohemia. Kafka trabajaba en sus escritos durante su tiempo libre y su interés en la escritura era tal, que incluso en una oportunidad se mudo a Berlín para estar alejado de su familia y concentrar sus energías en escribir.

Durante su vida solo publicó un libro, La Metamorfosis, publicado en 1915, además de una cantidad numerable de cuentos cortos. Sus otros libros fueron publicados luego de su muerte por su amigo Max Brod, quien ignorando la última petición de Kafka, no quemó sus escritos sino que hizo todo lo contrario y se encargó de publicar los títulos: “En la Colonia Penal”, “El Juicio”, “El Castillo”y “Amerika”. Gracias a Max Brod podemos hoy día leer los diarios de Kafka, así como sus innumerables cartas. Los dejo con una frase del Escritor,

“Yo pienso que nosotros debemos leer solamente el tipo de libros que nos hieren y nos apuñalan. Si los libros que estamos leyendo no nos despiertan golpeándonos en la cabeza, ¿Para que los estamos leyendo?... Necesitamos libros que nos afecten como un desastre, que nos entristezca profundamente, como la muerte de alguien que nosotros hemos amado más que a nosotros mismos, como ser desaparecido en bosques lejos de todos, como un suicidio. Un libro debe ser el hacha que rompa el mar congelado dentro de nosotros”. Carta a Oskar Pollak.27/01/1904.

I think we ought to read only the kind of books that wound and stab us. If the book we are reading doesn't wake us up with a blow on the head, what are we reading it for? ...we need the books that affect us like a disaster, that grieve us deeply, like the death of someone we loved more than ourselves, like being banished into forests far from everyone, like a suicide. A book must be the axe for the frozen sea inside us.